Уголок коллекционера

DDR (2022) Seven Seas. Дебютный альбом новой японской прог-группы с неожиданным именем, куда вошли как достаточно молодые музыканты, так и ветераны стиля, включая таких, как клавишник Shingetsu Акира Ханамото, басист Asturias Йо Ояма и скрипачка Stella Lee Jones Хитоми �рияма. Команда исполняет симфо-прог преимущественно в стиле, очень близком классическому Genesis с гитарами, клавишными в виде электрооргана и фортепиано, нерегулярными скрипкой и меллотроном, а хороший и сильный англоязычный вокал Казухиро Ватанабэ часто очень похож на Питера Гэбриела (и, кстати, не имеет японского акцента). Местами, правда, есть перебор с утяжелением саунда до излишнего bombastic – например, в стартовой Ruby City Rat Race и в Darkfire с мощнейшим классическим органом, что слегка сдвинуло их в сторону нео. Фрагмент в середине The Voyager чуть ли не прог-метал, но вообще немало и акустики, и просто чистого звучания. Ритм-секция, правда, чаще всего довольно увесистая. Но, несмотря на отдельные недостатки, здесь много отличных композиций, и в целом альбом очень хорош.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Fossil (2003) s/t. Единственный альбом сольного проекта японского композитора и музыканта по имени Хикару Сэкинэ, в прошлом сооснователя околоэмбиентных групп Maju, Neina и некоторых других. Эта изданная на Poseidon Records работа претендует на отношение к прогрессиву, и в принципе определенную ее часть можно с оговорками записать в чембер-прог. Однако большинство треков не отличаются разнообразием, и их сумма скорее похожа на не доведенную до ума подборку набросков, тем более что длительность некоторых колеблется между половиной и полутора минутами. Первые три коротких номера – полностью акустические, в пятиминутной Crescent добавляются флейты, а в следующей снова короткой Notice (Outspoken) возникает аккордеон и дистортнутая скрипка. Композиция River Bank Cyclist оказывается авант-фолком с бессловесными подпевками, а Tea Ceremony – чистым эмбиентом. Вслед за однообразной лоуфай-акустикой Armchair Fisherman идут подряд три неплохих чемберных номера, включая самый длинный трек альбома – Wavering Life, Weaving Lines на девять с лишним минут. В трех последних вещах саунд меняется: в A Current In The Vein появляются электрогитара и саксофон, в Autumn Rain играют электрогитара с искажением и электропиано, а заключительная Lower Reaches могла бы стать неплохой прог-композицией, но она опять слишком коротка (менее двух минут) и крутит по кругу один и тот же фрагмент. Резюме: есть отдельные неплохие идеи, но в целом мне не понравилось.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

R1SA (2022) Crown. Вторая сольная работа пианистки Рисы Кобаяси вышла через пять лет после самостоятельно выпущенного дебюта Over Mind (между ними еще был альбом от имени Risa Kobayashi Trio). Начав играть на фортепиано в три года, во время учебы в колледже она увлеклась джазом, а в университете – и прогрессив-роком, называя в числе наиболее повлиявших на нее исполнителей Emerson, Lake & Palmer и Soft Machine. Вся эта ее пластинка – крутой и изощренный микс джаза, джаз-рока и прог-рока в формате изобретательного фортепиано, плотно вибрирующего баса и вычурных ударных. Несмотря на то, что играет снова трио, это не тот состав, что был в Risa Kobayashi Trio, а совсем другие музыканты: басист Рю Кавамура, играющий преимущественно в джазовых проектах, и барабанщик Таппи �васэ, известный своим участием в таких замечательных командах, как Il Berlione, Hiroshi Minami 3, Trussonic и другие. Стиль игры практически везде типично джазовый с интересными и виртуозными импровизациями, но композиционно многие вещи все же ближе к прогрессиву. Все номера оригинальные, включая Greensleeves, не имеющую ничего общего с классикой английского фольклора. В средней части заглавной композиции фортепиано меняется на синтезатор, и этот фрагмент показался мне похожим на Вангелиса. В целом же главная роль безоговорочно отдана роялю, при этом и остальные музыканты на теряются и не остаются просто ритм-секцией, а периодически тоже изобретательно солируют, особенно бас. Альбом длится более часа, и, пожалуй, его можно было бы сократить на пару треков, но в любом случае мне понравилось.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Axis (2007) Love Of Life. На вебсайте Rateyourmusic этот малоизвестный японский музыкальный коллектив с двумя своими альбомами причислен к прогрессив-року, но, честно говоря, прог там присутствует в весьма ограниченном количестве и совершенно точно не является основным стилем. В основном четверка музыкантов исполняет достаточно мейнстримный рок, причем иногда с попсоватым оттенком (не в последнюю очередь из-за соответствующего вокала певицы Томоми Ямады, которого еще и слишком много), плюс обычные баллады, и лишь часть треков можно отнести к умеренному прог-металлу или несложному прогу в более-менее классическом виде (среди таковых, например, композиция Sleepless Night с акустикой и активными клавишными или двухминутный инструментал Laugh's Theme I). При этом общая длительность альбома – час шестнадцать минут, а достойные внимания треки считаются на пальцах одной руки. Мое мнение: не стоит тратить время.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Psyche Bugyo (2021) My Guitar Must Be Loud For The Universe. Пятый и пока последний альбом замечательной команды во главе с Ацуси Цуямой – я бы даже сказал, что это один из лучших его проектов. Здесь к ним присоединился на правах полноценного члена группы скрипач Хироаки Фудзивара, которого можно было ранее услышать на дисках групп Subvert Blaze, Live Under The Sky, Slap Happy Humphrey и некоторых других. В целом эта пластинка продолжает следовать выбранному направлению, и можно, наверно, порассуждать о некотором кризисе идей, но все по-прежнему делается настолько классно, что другого, наверно, и не надо. Открывает альбом атакующий брутал-прог Arab Oil с тяжелыми гитарами и бурным джазовым фортепиано, за которым следует 11-минутный трек с названием Häagen-Datz, Liebender, Löwenbräu och Heineken. Это название, составленное из имен международных брендов пива и мороженого, никак не связано с собственно музыкой, которая представляет собой электрический фолк-рок в ирландском стиле со скрипкой, электрическими и акустическими гитарами и женскими подпевками; с учетом прог-составляющей местами у меня возникали ассоциации с Horslips. Третьим номером идет заглавный номер той же продолжительности – в очередной раз Цуяма предлагает сатирическое (но тут без явного музыкального стеба, в основном в тексте) подражание Jethro Tull с переходом в классную психоделию с клавишами и скрипкой. Пластинку продолжает шикарная блюзовая психоделия Inn God Sun Got Son с многочисленными синкопами на четырнадцать минут, а в качестве финала идет еще одна композиция с нелепым названием This Is Women-Only A Car,,, The Man Who Got On. Теперь это уже более откровенная пародия на Jethro Tull с флейтой и гротескно андерсоновскими интонациями, которая постепенно превращается в психоделический фолк-прог с электрогитарными риффами, акустическими переборами, лиричными скрипкой и флейтой и олд-скульным хэммондом. Снова отличный релиз, и я не пожалел денег на фирменный диск.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

PoiL / Ueda (2023) Yoshitsune. Совместный альбом французских авант-проггеров PoiL и японской исполнительницы на сацума-биве Дзюнко Уэды, вышедший весной 2023 года, произвел большое впечатление на любителей прогрессивного рока, заслужил множество восхищенных рецензий и был отыгран более 80 раз на сценах Европы. � полгода спустя эта необычная коллаборация выпустила продолжение истории, взятой из легендарной "Повести о Доме Тайра". Названием для него стало имя полководца Минамото-но Ёсицунэ – фактически главного героя этого японского эпоса, который до сих пор считается в Японии идеалом самурая и одной из главных фигур в выступлениях японских театров ноо и кабуки (и даже стал прообразом Люка Скайуокера в "Звездных войнах"). Второй диск начинается именно там, где заканчивается первый: вернувшись после блистательной окончательной победы над домом Тайра, Ёсицунэ стал народным героем и был приближен императором, что вызвало вражду его старшего брата – сёгуна Ёритомо, главы дома Минамото. Опасаясь этого союза, Ёритомо организует неудачное покушение, исключает героя войны из клана и выдворяет его со своей территории в столицу. Разгневанный император приказывает Ёсицунэ покарать непокорного сёгуна, с которым он давно пытался бороться, и Ёсицунэ отправился собирать войско. Однако на этот раз снова поднявшийся шторм не помог ему, а наоборот, уничтожил почти все его силы, поскольку из моря поднялись духи Тайра, побежденных в битве при Дан-но-ура, и только мощное заклинание верного монаха Бэнкэя спасло главных героев. �менно эта часть сюжета положена в основу трехчастной 13-минутной композиции Kumo, открывающей альбом и построенной на основе классической пьесы театра ноо "Фуна Бэнкэй". Музыканты играют эту вещь преимущественно очень плотно и напряженно с отдельными отходами в более спокойные фрагменты, в которых звук, как правило, все равно остается очень насыщенным. Отдельно отмечу замечательную работу баса и ударных: они нисколько не теряются на фоне гитары, клавиш, бивы и буддийского пения Дзюнко и выдают отличные нестандартные сигнатуры, неожиданные паттерны и удивительные ритмические и аритмические загогулины – авант-прог в его лучшем виде. Далее идут треки Omine-San с ритмом мрачного ритуала и драматичный Yoshino: не оправдав надежд императора и превратившись в заклятого врага своего безжалостного брата, Ёсицунэ вынужден бежать и скрываться. В поисках убежища на горе Йосино, он неожиданно встречает свою жену, которая помогает беглецам укрыться, но вынуждена вскоре с ними расстаться, после чего попадает в руки агентов Ёритомо, которые держат ее в плену, а потом убивают родившегося от Ёсицунэ ребенка. Это, несомненно, один из самых мощных и впечатляющих треков на диске. За ним следует Ataka ("Убежище"), исполненная Дзюнко Уэдой в одиночку, где по сюжету Ёсицунэ и Бэнкэй с трудом находят прибежище во владениях клана Северных Фудзивара. Несмотря на предвзятость, эта вещь, сыгранная только на биве и спетая в классической традиции сёмё, очень органично вписывается в прог-роковый альбом. Завершает пластинку композиция Kokô (что дословно переводится, как "Пасть тигра", но имеет также значение "Неизбежная смерть") в двух частях. В хронике "Повесть о Доме Тайра" написано, что глава дома Северных Фудзивара вскоре умирает, а его сын не готов поддерживать опального героя и закрывает глаза на проникновение группы убийц в свое поместье. В результате все сподвижники Ёсицунэ погибли, а сам он совершил сэппуку, пока верный Бэнкэй, вооруженный нагинатой, сдерживал врагов. В финальной композиции нет этой трагической развязки, но все подводится к ней – и старинный текст, исполняемый Дзюнко, и шикарные инструментальные партии, от которых просто невозможно оторваться. Получилась очень сильная работа, даже посильнее первого диска, но сила обеих частей этой дилогии не только непосредственно в отличной музыке, но во многом именно в оригинальности и специфичности удивительно органичного слияния двух совершенно разных жанров. Честно говоря, я не думаю, что можно дальше столь же успешно эксплуатировать ту же жилу, сохраняя это чувство оригинальности и не сваливаясь в самоповторы. Мне попадались отзывы в интернете, где этот альбом хвалят, но предупреждают о том, что слушать его при этом тяжело. Не знаю – может быть, сказывается большая наслушанность японской музыкой, но у меня не было ни малейшего отторжения ни от игры Уэды на биве, ни от ее безусловно очень специфичного вокала. По моему однозначному мнению, это самый настоящий мастерпис.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Zettaimu (1989) Uchi no Basama ga Iuniwa... Группа "Абсолютное ничто" была организована еще в 1982 году гитаристом Хисаси Фуруэ и спустя семь лет выпустила свой дебютный лонгплей. В то время команда представляла собой дуэт, где Фуруэ исполнял все партии, кроме ударных. Это был уже конец виниловой эпохи, и в Японии многие исполнители вовсю осваивали новый формат CD, однако эта работа длиной более 48 минут вышла в уходящем формате. Название пластинки переводится, как " My grandma says...", и в интернете она часто указывается именно так, хотя на самом деле там все написано только по-японски. Как рассказывал лидер группы, идея этого альбома родилась у могилы дедушки, где его бабушка пробормотала: "Люди обречены на то, чтобы бесконечно делать одно и тоже". Судя по всему, Фуруэ в то время все еще искал свой стиль в музыке, так что здесь он собрал своеобразный коктейль на стыке не слишком сложного мрачноватого прогрессив-рока и интеллектуальной "новой волны" (характерный пример последней – заглавный трек). Есть также заметная склонность к психоделии в размеренной Tawamure, спейс-роковой первой половине восьмиминутной Nukegara no Meisou и заключительной утяжеленной Yoake. В аранжировках центральную роль занимают электрическая и акустическая гитары и клавишные (синтезатор, электропиано и клавесин) с несколько отстраненным – опять-таки в нововолновом духе, типа The Cure, – вокалом на японском языке. Неплохо, но, пожалуй, не более.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Zettaimu (1998) In The Decadent Times. Второй альбом дуэт записал спустя девять лет после дебютника, и за это время в их стиле и идеях произошли большие изменения. Во-первых, теперь это уже полноценный прогрессив-рок с активным применением акустических инструментов. Во-вторых, изменилось и многое другое, включая вокальную манеру Хисаси Фуруэ и даже частично язык: ушла пост-панковская манерность, и поет он теперь не только на японском языке (как это, впрочем, все еще происходит в большинстве треков диска), но часто переходит и на английский – например, в композиции Looking For Myself, идущей следом Blue Fog или 10-минутной Sunday Rainy Morning в духе Pink Floyd начала 70-х. Появились и короткие чисто инструментальные вещи. Периодически – особенно в первой половине диска – возникают ассоциации с такими группами классического прог-рока, как Strawbs и Traffic. Можно отметить, как выделяющиеся на общем фоне, построенную на азиатской мелодии Time Perplexes Time Oneself с игрой на казу, веселую I Wish To Bear You A Child с треском кастаньет, а также Do As You Like, где главная роль отдана басу, и психоделическую первую часть заключительного номера Stream Of Nihil (Epilogue) длительностью девять с лишним минут. Хорошая пластинка.

P.S. Ранее (12 лет назад! ) я еще писал здесь про альбом Zettaimu (2007) Miroque

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Electric Asturias (2023) Dimensions. В принципе, проект Asturias продолжает активно работать во всех своих трех ипостасях – акустической, электрической и смешанной, регулярно выступая на крупных международных фестивалях (из последних можно назвать Gouveia Art Rock Festival в Португалии, RoSFest в США и проходящий на круизном корабле в Карибском море Cruise to the Edge). Но при записи альбомов наиболее активна именно версия Electric Asturias, несмотря на то что перерыв между релизами снова составил четыре года (за это время пришел новый клавишник). На своем четвертом номерном диске музыканты продолжают следовать тем же курсом инструментального симфо-прога с теми же идеями и такими же инструментальными решениями. Все по классике, не исключая и оформление обложки, где традиционно представлена трехмерная геометрия с обыгрыванием пирамиды – символа группы. Пластинка начинается с неопрогового боевика La Porte de l'Enfer (что в переводе с французского означает "Врата ада") с излишне, на мой вкус, тяжелыми и агрессивными партиями электрогитары, баса и ударных. Дальше – получше, тем более что певучая скрипка, хрустальное фортепиано и старый добрый хэммонд сглаживают эту избыточную резкость. Кроме того, в таких композициях, как Stone Circle или имеющая ретро-привкус Karma, еще и темп поспокойнее. �дущая следом за ними Shippuu Jinrai ("Быстрая молния"), наоборот, исполняется на сверхскорости, но ритм-секция и гитара в ней не кажутся такими уж жесткими – возможно, из-за почти постоянно выдвинутой на первый план и заслоняющей их скрипки. Как положено, и в этом альбоме есть своя эпическая сюита – 20-минутная Fourth Dimension в четырех частях. В целом она все в том же духе, но отмечу, что во второй ее части непривычно много хэммонда, а в третьей тотально доминирует классический (церковный) орган. В четвертой почти 8-минутной части инициативу снова полностью перехватывает скрипка, к которой присоединяются остальные инструменты. В финале диска звучит сдержанная среднетемповая Solace Of The Caged Bird, где инструментальное лидерство скрипка делит с роялем и где неожиданно – впервые у группы – появляется англоязычный вокал приглашенного Казухиро Ватанабэ, а у самой композиции есть небольшое сходство с Van der Graaf Generator. Не смотря на строгое следование своей собственной стилистической традиции и отсутствию принципиально новых идей, не могу не признать, что альбом все же хорош. Кстати, на некоторых (в том числе и весьма уважаемых) интернет-ресурсах в качестве вокала в заключительном треке указана Йоко Уэно, что, конечно, неверно – уже потому, хотя бы, что голос однозначно мужской и не имеет с ней ничего общего.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Yusuke Ando (2023) Solitary Faith. Перешедший в категорию мультиинструменталистов барабанщик Юсукэ Андо начал сольную карьеру с выпуска в 2013 году сингла, в 2020 году записал альбом Rinnetensei, и три года спустя снова самостоятельно издает свой полноформатный диск, записанный с участием приглашенных гитариста и вокалиста. Слушателям предлагается мощный и помпезный симфо-прогрессив с сильным закосом под классический Yes середины 70-х, что проявляется почти во всем: в композиционных построениях, аранжировках, и даже в стиле игры на инструментах (тут, правда, эпизодически проскакивают и манеры ELP, и даже Marillion) и вокальных гармониях. Неудивительно, что это частично проявилось и в оформлении обложки, а логотип вообще однозначно копирует знакомое всем начертание имени легендарного коллектива. В целом все неплохо, но большинство композиций идут сверхнапористо и в очень плотном звуке. �сключения – только следующие друг за другом короткие треки Yoake2 и Zipangu и начало четырехчастной сюиты Hamon, чье название означает по-японски "рябь" (а на английский переводится, как Ripples, что может намекать и на известную вещь Genesis). В остальном лирические передышки крайне редки, так что суммарно получилось, на мой вкус, излишне bombastic. Тем не менее, я думаю, что любителям классического прогрессива имеет смысл ознакомиться.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Тоже, кстати, послушал последний Asturias - очень неплох. Еще и новый Bondage Fruit вышел, вот это неожиданность!

Gesshoku Kagekidan (2002) Neverland Koukaiki. Театральный коллектив, чье название переводится, как "Оперный театр лунного затмения", был создан в 1985 году сценаристом, режиссером и критиком Эи Такатори, в 70-х сотрудничавшим с Сюдзи Тераямой и параллельно издававшим эротические комиксы. Еще будучи студентом Университета Осаки, в 1974 году он написал пьесу "Хроники путешествия девушки с полуночному солнцу и лунному затмению", а в 1980 впервые выступил на сцене со своим спектаклем "Оперный театр лунного затмения", который и дал имя будущему коллективу. После создания постоянной труппы было много пьес и постановок, и в большинстве их его постоянным соавтором был Дж. А. Сизар, писавший музыку для этих перформансов. В 2002 году вышел первый (и до сих пор единственный) CD "Хроники путешествия в Неверлэнд", который был сборником и продюсировался Пантой – экс-лидером некогда скандального дуэта Zuno Keisatsu. Этот диск очень похож на последние релизы самого Сизара: короткие треки с ведущим тяжелым органом, электробарабанами (если честно, мне то и дело кажется, что это драм-машина) и либо женским вокалом, либо хорами в типично сизаровском стиле. Более того, есть и чисто нарративные вставки, словно взятые из спектакля. То есть сизаровский стиль ощущается безоговорочно. � в принципе, можно отнести это к хэви-прогрессиву, по крайней мере, именно этот субжанр наиболее близок к представленной здесь музыке. Но – в первую очередь по форме, поскольку о каких-то сложных композиционных решениях речь не идет. Характерная для Сизара последних лет короткометражность и набросочность треков не позволяет говорить о серьезности музыки. Тем не менее, интересующимся творчеством Дж. А. Сизара и вообще японским театральным кроссовером стоит обратить внимание.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Earthbound Papas (2013) Dancing Dad. После расформирования The Black Mages композитор и клавишник Нобуо Уэмацу собрал новую команду, которая исполняла его произведения для видеоигр. Не секрет, что к музыкальной составляющей в японской игровой индустрии относятся очень серьезно, и часто используют для этого композиции в прог-роковом стиле. Здесь та же самая история. Первый альбом группы вышел в 2011 году, а за ним – второй и третий. Последний из них открывается торжественным инструменталом Homecoming Again – Opening Fanfare, изначально написанным для Symphonic Odysseys – концерта в Кёльнском филармоническом зале в 2011 году, посвященного творчеству Уэмацу и исполненного WDR Funkhausorchester. Здесь же все подчинено стилистике ELP, включая аранжировку – просто не отличить. Но уже в следующем Doppelgänger появляется присущая еще The Black Mages склонность к металу, хотя и не совсем в том самом ключе. В конце концов, и Грег Лейк иногда использовал тяжелую гитару, и в данном случае дело не столько в ней, сколько в надрывном вокале, типичном для NWBHM. Ну, примерно, как если бы ELP пригласили Брюса Дикинсона. Следующие две инструментальные вещи – Fight With Seymour и La petite malice du Kijimunaa – тоже выполнены в рамках прогрессива, в том числе и хэви-прога, и опять с клавишными в главной роли, но здесь уже металлизированная гитара периодически перехватывает у клавиш инициативу. В Toneless снова появляется голос, но совсем другой – высокий, чистый и почти не напряженный, однако электрогитара сдвигает этот номер в тяжелую область прога, и дальше ее становится все больше. Так, в задумчивой Interlude – Anthony's Dream синтезатор вообще выполняет чисто фоновую функцию, да и в неопроговой Delight Of The Victors все ключевые партии отданы гитаре, за исключением коротких фрагментов в самом начале и самом конце. Еще один трек с вокалом, на этот раз женским – Lord Of Vermillion, в первой трети очень лиричный и тихий, потом постепенно набирающий массу с переходом в прог-метал и снова расслабляющийся только в самом финале. Почти 12-минутная помпезная композиция Dancing Mad с женскими хорами, классическим ("церковным") органом и витиеватой утяжеленной гитарой на 80% выполнена в стиле олдскульного симфо-прогрессива и на 20% – прог-метала. В целом очень неплохо, только финал подвел: заключительный трек Watashi no Mizu to Sora (четвертый вокальный номер на диске) неожиданно оказывается совершенно попсовой песней в прог-аранжировке.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Меня всегда забавляло у японцев, как маститые проггеры в 80-х и 90-х подрабатывали на музыке для видеоигр, причем не халтуря и выдавая на-гора отличный продукт, да и, помнится, когда я играл в "Бэтмена" на приставке в юном возрасте, там музыка была просто превосходной!

Paulo Suzuki & Gomaworld with Hiroyuki Namba (2015) Goma Works. Йосимаса Судзуки, взявший себе имя Пауло, практически всю свою сознательную жизнь был настоящим фанатом двух групп – The Beatles, которых он впервые услышал в 1970 году в возрасте девяти лет, и Emerson, Lake & Palmer – с одиннадцати лет. Будучи студентом университета, он уже всерьез занимался музыкой и даже вместе со своей группой Goma поучаствовал в концертном туре клавишника Хироюки Намбы и его тогдашней команды Sense Of Wonder. Позже в его жизни было много событий, связанных с памятью The Beatles, включая открытие в Йокогаме фанатского бара Rubber Soul, участие в различных памятных мероприятиях и прочего, а в 2010 году вместе с Хироюки Намбой он возродил свою старую группу, которая сыграла джем-сессию с самим Китом Эмерсоном. Дальше – больше, и в начале 2015 года на учрежденном Судзуки еще в 90-х лейбле Rubber Soul Records выходит их первый полноценный альбом Goma Works. Могу сказать, что это самая совершенная имитация ELP из всех слышанных мной. Начиная с первых аккордов стартового Taika Reforms (Sukrat) нельзя не обратить внимания на точное подражание Хироюки Намбы стилю игры Кита Эмерсона на всех этих Роландах, Коргах и прочих клавишных, а потом оказывается, что и вокал самого Пауло, хоть и не может тягаться с Лейком, но имеет схожий тембр и умело копирует его манеру (правда, поет по-японски). Туда же – партии гитары, баса и барабанов, так что первое время создается полное ощущение, что слушаешь новый альбом легендарных прог-рокеров. Потом некоторые композиции не столь однозначно похожи, но все равно выполнены в очень близком ключе. Материал альбома в 2018 году был переиздан в расширенном варианте с использованием студийных и концертных версий некоторых композиций вместе со вторым лонгплеем группы.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм